Storia della galleria

Sciacca, artista catanese con riconoscimenti sia in Italia che all’estero, introduce, con la presenza di Vittorio Sgarbi, critico d’arte di spicco, le sue opere.

Queste si ispirano al classico e utilizzano lo spazio pittorico in modo maestoso, trasportando gli osservatori in atmosfere teatrali attraverso maschere e nature morte. Lindsay Camp, protagonista delle opere esposte, cattura l’attenzione degli spettatori con il suo sguardo carico di espressività.

Liborio Curione presenta la sua mostra personale che si concentra sulla genesi del pianeta Terra, esaminata da un punto di vista pittorico con riferimenti scientifici.

Curione utilizza sapientemente la materia cromatica e crea una pittura di grande raffinatezza in cui il segno diventa protagonista. Nelle sue opere si possono osservare vapori, luminosità incandescenti, distese di sabbia, acqua e fiumi di lava. Emergono la terra con i suoi oceani blu, le nuvole bianche e i continenti rossi. Le forme, apparentemente astratte, e le stesure cromatiche presentano segni che si susseguono in ritmi rapidi, dando vita ai contorni del reale, come le masse nere delle rocce, il luccichio del mare, il tremolio dell’erba e i cieli di un biancore incandescente.

Le sottili sfumature di colore evocano gli sfondi aerei, i toni azzurri che si sbiancano o diventano trasparenti, raffigurando la carezza del vento e la forza delle acque. A volte, le zone di colore si estendono oltre i limiti della tela, gli accostamenti sono stridenti, i rossi cupi e intensi. La terra può proiettarsi come una massa oscura o erompere come uno squarcio improvviso. L’erba si estende in distese che spaziano dal verde cipresso ai toni ocra e terra di Siena fino al giallo splendente delle spighe di grano. Il vento soffia sulla tela, facendo ondeggiare le messi e increspando la superficie dell’acqua, portando nuvole gonfie di pioggia. Infine, il fuoco è evocato attraverso un segno denso di carica emozionale, simbolo della forza primordiale della vita.

La mostra di Liborio Curione rappresenta un’interessante esplorazione artistica della genesi del pianeta Terra, combinando elementi scientifici con un’estetica raffinata e un linguaggio pittorico caratterizzato dai segni e dalle forme.

La prima mostra personale in Sicilia presso la galleria “Arte Nuvò” di Domenico Monteforte.

L’artista si concentra sulla tradizione della pittura di paesaggio, particolarmente radicata in Toscana. Il soggetto principale delle sue opere è il paesaggio puro, senza figure o azioni, immerso in una luminosità intensa che simboleggia la forza e l’immobilità della natura.

Monteforte dipinge distese erbose fiorite di mille colori interrotte da casolari e cipressi, che emergono verso il cielo e interrompono il ritmo orizzontale del paesaggio. Nei suoi paesaggi, l’artista rappresenta solo la primavera o l’estate, trasmettendo attraverso la luce la vita che ritorna in campagna e rivelando l’essenza intima delle cose, come casolari lontani e cieli profondi. Utilizza contrasti raffinati di colore per creare un’esperienza estetica intensa e brillante.

Nonostante il richiamo alla tradizione toscana del paesaggio classico, Monteforte si distanzia dalla costruzione degli stati d’animo presenti nelle opere dei pittori del passato. Il suo interesse principale è far sentire, attraverso forme, colori e luci, la sinfonia del creato che risuona nel silenzio della natura. Il paesaggio diventa un’atmosfera intatta e dolce che avvolge tutte le cose reali, offrendo una ritrovata classicità non basata sullo studio accademico, ma sulla verità stessa della natura.

Dedicata al maestro Sebastiano Milluzzo presso la galleria “Arte Nuvò” a Catania. La mostra, organizzata in occasione dell’89º compleanno dell’artista, si propose di avvicinare il pubblico alla figura e all’opera di Milluzzo, considerato un grande sperimentatore di tecniche e materiali nonché precursore di numerosi movimenti artistici del secondo dopoguerra.

La mostra antologica, curata da Adriana Conti, si concentra su un tema particolare della produzione artistica di Milluzzo: il nudo. I lavori esposti rappresentano una varietà compositiva estrema e mostrano un’evoluzione stilistica che ha dato vita a uno stile distintivo nel corso degli anni. È la prima volta che opere appartenenti a questo filone tematico vengono esposte insieme, offrendo al pubblico la possibilità di ripercorrere le diverse fasi salienti dei diversi periodi dell’artista.

La mostra seguì un percorso cronologico che permise di conoscere appieno l’artista.

Mostra personale della pittrice romana Olga Minardo, che ha riscosso successo sia di critica che di pubblico presso la galleria Art Nuvò.

Le opere di Olga Minardo raccontano storie che riflettono la sua vita e le sue origini, trasmettendo una pittura suggestiva che equilibra abilmente realtà e idealità. La pittrice attinge al patrimonio del passato senza rifiutare il mondo moderno, cercando di far convergere il concetto di bellezza secondo il suo ideale. Ad esempio, le sue figure di donna sono caratterizzate da forme ampie e colori chiari e luminosi, che esaltano la purezza del corpo attraverso giochi sottili di chiaroscuro. La pittura di Olga Minardo si fonde tra fantasia e verità, trasponendo l’affettuosa attenzione per il dato reale in un ambiente onirico.

Le opere della pittrice presentano spesso figure accostate senza un ordine logico, ma seguendo stimolazioni fantastiche che provengono dai frammenti di immagini presenti nella sua mente. Questo stile crea quadri originali e nuovi, dove l’artista esprime il suo gusto raffinato attraverso una magnifica eleganza formale, che talvolta sfiora il decorativo. Le armonie delicate di segni e colori portano a una visione incantata, in cui anche le apparizioni più strane diventano elementi di un racconto fantastico della vita dell’artista. Olga Minardo descrive tutto con amorevole cura, ispirandosi anche alla terra d’origine dei suoi antenati, ai loro riti e costumi.

Le opere di Olga Minardo offrono una molteplicità di frammenti di realtà, presentati in un caleidoscopio magico in cui le leggi della logica sono sostituite dalle leggi più autentiche della poesia.

Agostino Cancogni presenta presso la galleria i suoi capolavori.

L’artista mostra quadri che rappresentano oggetti e scene semplici, come alberi, mare e conchiglie. Le sue opere trasmettono una sensazione di calma e creano un’atmosfera trasognata, trasfigurando gli oggetti e conferendo loro un carattere prezioso e irreale.

Cancogni ha sviluppato una pittura che recupera l’immagine reale attraverso una riflessione sulla memoria. La sua tecnica è precisa e leggera, e utilizza colori smorzati o preziosi per dare vita alle sue tele. Le immagini sono collocate in uno spazio che sembra alludere non solo a una dimensione fisica, ma anche a una dimensione sentimentale.

Gaetano D’Aquino ottiene un successo enorme con la sua mostra personale ad Arte Nuvò.

La sua arte si basa sul realismo e si concentra sulla bellezza degli oggetti comuni. Utilizza una tecnica laboriosa per riprodurre con precisione dettagli e materiali. I suoi ritratti, che passano dal colore al bianco e nero, sono intensi e riflettono una visione meccanica. D’Aquino esplora anche la natura morta, creando dipinti che confondono lo spettatore con la loro somiglianza alla realtà. Trova bellezza in oggetti trascurati come scatole di cartone e tubi di colore vuoti. La sua abilità tecnica e la sua capacità di fondere elementi diversi contribuiscono al successo delle sue opere. In definitiva, la sua arte celebra la bellezza della semplicità e offre un’interpretazione unica della realtà.

La sua personale ricerca artistica si concentra sul paesaggio dell’Etna, il vulcano che ha scoperto nel 2002 e che ha suscitato in lui una profonda ispirazione. Le sue opere esposte rappresentano una combinazione di naturalismo e correnti contemporanee, spingendosi verso un linguaggio artistico che sfiora l’astratto.

Le sue opere sono un dialogo tra la natura e l’artista, che cerca di catturare l’essenza e la potenza del paesaggio vulcanico. Utilizzando un linguaggio artistico al confine tra astrazione e naturalismo, Calabrese crea opere che evocano emozioni e suscitano riflessioni.

Agostino Cancogni, artista poliedrico, presenta il suo stile artistico caratterizzato da un’intimistica esplorazione della condizione umana nel mondo contemporaneo, utilizzando metafore e simboli. Le sue opere spesso rappresentano oggetti fatiscenti come conchiglie abbandonate dal mare o covoni di fieno in relazione a edifici rurali, creando atmosfere metafisiche.

Cancogni cerca di trasmettere un senso di silenzio, solitudine e purificazione, aspirando a un mondo idealizzato. La sua pittura si basa sull’osservazione della realtà ambientale e sui ricordi filtrati dalla memoria.

A maggio 2010 la Galleria ospita una mostra all’insegna della cultura che celebra Leonardo Sciascia e la fotografia.

A gennaio 2011 la Galleria avvia diversi corsi di fotografia tra cui reportage, ritratto e moda, fotoritocco e analogico/digitale.

A gennaio 2015 la Galleria ospita due dei più grandi artisti toscani contemporanei.